VIRIDIANA : 1961:B/N: 90′

octubre 14, 2008

VIRIDIANA

1961: Drama: BLANCO Y NEGRO : 90 min.
Productora: Producciones Alatriste,  Uninci,  Films 59.
Productor: Gustavo Alatriste,  Pere Portabella.
Director: Luis Buñuel.
Guión: Luis Buñuel,  Julio Alejandro.
Fotografía: José F. Aguayo.
Música: Gustavo Pitaluga.
Decorados: Francisco Canet.
Montaje: Pedro del Rey.
Intérpretes: Silvia Pinal,  Francisco Rabal,  Fernando Rey,
Margarita Lozano,  Victoria Zinny,  José Calvo,  Luis
Heredia,  Teresa Rabal,  Joaquín Roa,  José
Manuel Martín,  Lola Gaos,  Sergio Mendizábal,  Juan
García Tienda,  María Isbert.
Rodaje: Madrid y provincia. Coproducción
hispano-mexicana.
Derechos: Video Mercury.

Sinopsis:
Un viejo hidalgo español vive retirado en su hacienda,
desde el día en que falleciera su esposa, treinta años
antes. Su monótona cotidianidad se ve rota por la
visita de su sobrina Viridiana, novicia en un convento,
que viene a despedirse del anciano antes de profesar
para siempre. El extraordinario parecido de la recién
llegada con la finada mujer del hidalgo motivará que
éste intente retenerla como sea, ciego de una pasión
enfermiza.

Comentario:
Una de las películas más importantes de la historia del
cine español,  y un título especialmente destacado en
la filmografía de Luis Buñuel. Representó el regreso
de éste al cine español, después del exilio en México
provocado por la Guerra Civil, y supone uno de los
casos más significativos de represión
cinematográfica por parte de la administración
franquista, que incluso intentó destruir el negativo y
todas las copias. El historiador Román Gubern
resume así lo ocurrido: “Aprobado por la Censura, el
film se presentó en el festival de Cannes en la
jornada de clausura y recibió la Palma de Oro – por
primera vez para España – pero la virulenta crítica de
‘L’ osservatore romano’ condenando el carácter
anticristiano del film hizo que fuese cesado el director
general que la autorizó y que recogió el premio, José
Muñoz Fontán, mientras la película era prohibida en
España, se borraba toda mención pública de ella y se
represaliaba a UNINCI. Gracias a un doble negativo
depositado en París, el film pudo circular por el
mundo, pues en España no fue estrenado hasta 1977
y hasta 1982 el Tribunal Supremo no reconoció su
nacionalidad española” (“Huellas de luz”, Ed.
Diorama, 1996).
Uno de los doce pobres que aparecen en la película
era un auténtico mendigo, al que llamaban “el
leproso”, por el que Buñuel se enfrentó a los
productores al enterarse que le pagaban tres veces
menos que a los otros. El director protestó
energicamente de esta injusticia, especialmente
cuando los productores le intentaron calmar diciendo
que al final del rodaje organizarían una colecta para
dársela al mendigo. Pero Buñuel consiguió que al
final cobrara como el resto de los actores.
Precisamente el vestuario de estos pobres es
auténtico y se consiguió después de recorrer los
suburbios y de cambiar por ropa nueva la que
llevaban los vagabundos que encontraron. La ropa fue
desinfectada pero no lavada para que los actores
sintieran la miseria.
Buñuel vuelve a trabajar con Paco Rabal a quien había
dirigido anteriormente en “Nazarín”, y comienza su
colaboración con Fernando Rey -que después sería
su actor preferido-, que encarna al viejo hidalgo
obsesionado con el recuerdo de su esposa muerta,  y
con Silvia Pinal, quien da vida a Viridiana, en una de
sus mejores interpretaciones.
 

Cita:
“‘Viridiana’ es la visión definitiva del mundo que nos da
Buñuel (a riesgo, claro está, de que vuelva a darnos
otra visión definitiva, costumbre que comparte con
Chaplin) y por eso hallamos en ella resumida toda su
obra anterior. Así, la España que nos presenta es,
además de la muy concreta y desgraciada España
franquista, una España medieval, pero además es la
moral católica, con sus ideas de represión de los
instintos, de purificación mediante el dolor, negación
de lo terrenal y pecado primigenio. Viridiana, la novicia
interpretada por Silvia Pinal, y don Jaime, el viejo
hidalgo interpretado por Fernando Rey, son en este
sentido verdaderos prototipos: los dos representan
inevitablemente la aspiración metafísica a liberarse
de la carne y a encontrar en la religión o en el ‘amor
ideal’ un escape a la gravidez del mundo” (José de la
Colina en “Nuevo Cine” nº 4-5, 1961).
“A propósito de ‘Viridiana’ se ha hablado mucho,
justamente, de Quevedo, de la novela picaresca, de
Galdós y de Goya. Estas son, efectivamente, las
principales fuentes en que bebe y el alimento con que
se nutre el genio cinematográfico de Buñuel, un
cineasta de milagrosa intuición, de inquietudes
insólitas en el mundo del cine, que ha rematado su
obra, por ahora, con un film extraño y áspero, nuevo y
distinto, dotado de valores raros y preciosos que,
como hemos dicho al principio, sobrepasan el campo
reducido de lo estrictamente cinematográfico”
(Francisco Pina en “Nuevo Cine” nº 4-5, 1961).
“Como todas las grandes obras de arte, ‘Viridiana’ es
una película ambigua. Buñuel da en ella libre cauce a
sus obsesiones para demostrarnos la inutilidad de
las virtudes teologales al intentar aplicarlas para
solucionar problemas vitales; pero en Viridiana junto
con la fe, la esperanza y la caridad mueren las
posibilidades de pasión, de entrega absoluta, de
heroísmo, para ser sustituidas sin ventaja por el
insípido progreso, la inseguridad y el falso amor
burgués. La verdadera tragedia de Viridiana consiste
en que termina la película virgen todavía, no llega a
alcanzar el martirio y, en cambio, sabemos que la
desilusión la va a llevar a entregar su virginidad a
quien no la merece” (Juan García Ponce en “Anuario
1962 de la Dirección General de Difusión Cultural de
la Sección de Actividades Cinematográficas de la
UNAM”, 1962).
“Dentro de la producción de Buñuel, tan irregular, tan
arbitraria exteriormente, tan coherente desde el punto
de vista poético, ‘Viridiana’ ocupa un lugar clave. En
ella madura un artista obsesionado, un visionario casi
loco, de la misma estirpe de Blake, del marqués de
Sade, de Rimbaud, de Lautréaumont, con quienes
comparte similares vislumbres del Cielo y del Infierno”
(Emilio Rodríguez en “Tiempo de Cine” nº 14, 1963). 

Premios:
1961; Festival de Cine de Cannes, Palma de Oro, Mejor
Película, Luis Buñuel

TAG DER FREIHEIT: 1935: DOCUMENTAL 35′

agosto 29, 2008

Día de la Libertad – Nuestro Ejército

Sinopsi

s: Poco tiempo después del triunfo institucional de su segundo documental, y para complacer las exigencias del general Reichenau y del propio Hitler, Leni Riefenstahl rueda un cortometraje de veinticinco minutos, “El día de la libertad: nuestro ejército” (Tag der Freiheit: Unsere Wehrmacht, 1935), una película perdida por mucho tiempo hasta que una copia fue encontrada en 1972. El filme es directamente propaganda militarista que muestra la gloria de pertenecer al ejército y servir al Führer. No es de extrañar la alegría con que fue recibida cuando fue proyectada en la Cancillería del Reich.


Titulo Oroginal: Tag Der Freiheit – Unsere Wehrmacht

Año:

1935
Duracion: 25 min.
Pais: Alemania
Director: Leni Riefenstahl
Genero: Documental 
 

 

 

 

LOS OJOS PERDIDOS 1966: DRAMA -B/N: 85′

agosto 26, 2008


LOS OJOS PERDIDOS

1966: Drama: BLANCO Y NEGRO : 85 min.
Productora: Estela Films.
Director: Rafael García Serrano.
Guión: Rafael García Serrano.
Fotografía: Eloy Mella,  Julio Ortas.
Música: Antón García Abril.
Decorados: José Luis Galicia.
Intérpretes: Jesús Aristu,  Dianik Zurakowska,  Manuel
Zarzo,  Manuel Tejada,  Bárbara Teide.
Recaudación: 2.804.338 Ptas.
Espectadores: 165.334

Sinopsis:
Durante la guerra civil, Margarita y Luis se conocen
mientras éste se halla de paso hacia el frente del
Norte. En las escasas horas que pasan juntos, se
enamoran locamente, llegando incluso a hacer
planes de futuro. Aunque la contienda ya ha roto
muchas parejas como ésta, ellos tratan de concebir
las mayores esperanzas posibles para su relación.

Comentario:
Única incursión como director del escritor falangista
Rafael García Serrano, excelente prosista que ya
intervenido como guionista en algunos filmes. Con
una historia propia, de excelentes diálogos y ayudado
técnicamente por su amigo el director Francisco Borja
Moro, García Serrano filma con sensibilidad
exacerbada una historia que transcurre en un permiso
de voluntarios rebeldes del frente norte que mandaba
el general Mola. Con un reparto idóneo, en el que
destaca el buen hacer de Jesús Aristu, Manuel Zarzo
y Manuel Tejada, además de la belleza etérea de
Dianik Zurakowska, la película tiene alguno de los
mejores momentos del cine romántico hispano.
García Serrano consigue una obra emocionante,
sensible, sencilla, tierna y verdadera, que se puede
considerar una obra maestra. Naturalmente, no tuvo
buena acogida por la crítica fundamentalmente
opositora al regimen, ni por el público que no quería
saber nada de la guerra; y menos contada por y del
lado de los vencedores. No obstante, no es un film de
guerra, sino que transcurre en la guerra. Mal que nos
pese, y salvadas las distancias (nadie puede negar la
genialidad de “Murieron con las botas puestas”, de
Raoul Walsh, a pesaar de que ensalce a uno de los
más reconocidos fanfarrones y asesinos
exterminadores de EE.UU.), hay que admitir en “Los
ojos perdidos” una emotividad y lirismo románticos
que las películas que posteriormente a la muerte de
Franco se realizaron sobre la guerra, pretendiendo
una objetividad o atendiendo a una necesidad de
justicia, nunca han logrado; a no ser la espléndida
“Tierra y libertad”, de Ken Loach.

Premios:
1966; Sindicato Nacional del Espectáculo, Premio
Especial, Mejor Película, Rafael García Serrano.
1966; Sindicato Nacional del Espectáculo,  Mejor Guión,
Rafael García Serrano

BODAS DE SANGRE: 1938: DRAMA: B/N:128′

agosto 25, 2008

 

 
 
 

 
AÑO: 1938
Nacionalidad: España
Productora: CIFA Producciones
Género: Drama
Director: Edmundo Guibourg
Guinista: Edmundo Guibourg
Duración: 01:28:00
Versión: V.O.
Clasificación: +13
 
 
Intérpretes:
 
Margarita Xirgu, Pedro López Lagar, Enrique Álvarez Diosdado, Amalia Sánchez Ariño, Amelia de la Torre
 
 
 
Sinopsis:
 
Dos jóvenes residentes en un pequeño pueblo andaluz se van a casar. Pero Leonardo, aún enamorado de la futura novia, una joven con la que estuvo saliendo años atrás, intentará que este matrimonio no se consuma. En un principio la novia lo rechaza, pero en el día de su boda se le enciende de nuevo el amor que ya tenía olvidado por éste y, al poco rato de casarse huye con Leonardo para estar juntos. El novio abandonado, con toda su rabia los persigue por el bosque y cuando encuentra al amante de su mujer, le reta a una pelea con navajas.
 

EL DESENCANTO: 1976: B/N: 97′

agosto 25, 2008

A partir de su muerte en 1962, la poesía de Leopoldo Panero cayó bastante en el olvido, aunque su vida y su familia fueron recordados en las películas de Jaime Chávarri ‘El desencanto’ (1975) y de Ricardo Franco ‘Después de tantos años’ (1994) en las que los protagonistas eran los hijos y Felicidad Blanc, que recuerdan con crudeza al padre y esposo y que convirtieron a los hijos Leopoldo María, Juan Luis y José Moisés ‘Michi’ en sombras inseparables de su padre, en malditos oficiales y en leyendas urbanas.                       (Como otros intelectuales Falangistas)


EL DESENCANTO
1976: Documental: BLANCO Y NEGRO : 97 min.
Productora: Elías Querejeta P.C..
Productor: Elías Querejeta.
Director: Jaime Chávarri.
Guión: Jaime Chávarri.
Fotografía: Teo Escamilla.
Montaje: José Salcedo.
Intérpretes: Felicidad Blanc,  Leopoldo María Panero,
Juan Luis Panero,  Michi Panero.
Recaudación: 20.486.465 Ptas.
Espectadores: 219.827
Sinopsis:
La viuda del poeta Leopoldo Panero, Felicidad Blanc, y
los hijos del matrimonio dialogan entre ellos sobre
las interioridades de la familia, de forma que
trascienda una reflexión de carácter general.

Comentario:
Uno de los documentales básicos en la historia del
cine español. Su relevancia llegó al extremo de
justificar una secuela, casi veinte años después,
titulada “Después de tantos años”. 

Cita:
“Hay que reconocer que todos los Panero son grandes
fabuladores, que viven en casi constante
‘representación’ de unos ‘papeles’ que se han
autoasignado y que, con desesperación o ironía, con
complacencia o sin ella, han asumido, al menos ante
la cámara o el micrófono… Los Panero son
interesantes como  ‘personajes de ficción’, tal como
los ha sabido representar Chávarri” (Miguel Marías en
“Dirigido” nº 49, 1977).
“Su excepcional interés nace tanto de la apasionada
exposición que los miembros de la familia Panero
hacen de sus relaciones como de acuñar un término
que los comentaristas políticos emplean hasta la
saciedad durante los primeros años de democracia.
La frescura de las declaraciones de Juan Luis,
Leopoldo y Michi, los tres hermanos, y Felicidad, la
madre, hacen de esta película algo más cercano a los
libros de memorias anglosajones que a cualquier otra
forma literaria o cinematográfica española” (Augusto
Martínez Torres en “El País”, l3-3-1983).
“Fue “El desencanto”, dirigida por Jaime Chávarri en
1975, una de las mayores sorpresas del cine español
posterior a la muerte de Franco. Combinando
imágenes documentales, lo que ya era excepcional en
una cinematografía generalmente sujeta a las normas
de la narrativa dramática, Chávarri habia trascendido
el reflejo de los personajes completos que componen
la familia Panero para adentrarse en una radiografía
de la institución familiar”. (Diego Galán en “El País”,
16-III-1983).
“El origen del proyecto estaba en la realización de una
serie de cortos. Elías Querejeta pensó en la
producción de cortometrajes con realizadores que no
habían hecho ningún largometraje o con una sóla
película como yo. Me propuso un film sobre la familia
de Leopoldo Panero. Al principio me pareció un
disparate. Luego, quedé fascinado. La idea original
consistía en el retrato de la familia del poeta oficial
que, a su muerte, queda totalmente desvalida y vende
libros para sobrevivir”. (Jaime Chávarri a T.D. en “El
País”, 16-III-1983).
“Mediante un montaje inteligente y eficaz, Chávarri,
sacando el mayor partido posible de sus personajes,
ha obtenido uno de los films más políticos que nunca
se han hecho en nuestro país, de los más corrosivos,
de los más feroces”. (Fernando Trueba en “Guía del
Ocio”, nº 41, Octubre, 1977).
“Creo que la última secuencia fue la del liceo italiano, el
colegio de mis hijos pequeños. Era la primera vez que
llevaba un pequeño guión; se trataba simplemente de
evocar los días de su niñez, pero no fue así. Se
plantearía un problema mayor; mi relación equivocada
respecto a ellos, especialmente con Leopoldo María.
Me quedé sorprendida y creo que desapareció para
mí totalmente la cámara; creo que me temblaban las
manos, había dejado mi papel de viuda, ahora era
una madre más o menos acosada que se defendía”.
(Felicidad Blanc en “Crónica de un desencanto”. “El
País Semanal”, Marzo, 1983). 

Premios:
1976; Círculo de Escritores Cinematográficos,  Mejor
Película, Jaime Chávarri
1971; Fotogramas, Fotogramas de Plata, Mejor Actor,
Hermanos Panero
HOY COMO OTROS MUCHOS INTELECTUALES FALANGISTAS “HA DEJADO DE EXISTIR”

 

 

 

Hace 106 años nacía en Berlín la más grande directora de cine de la historia: Leni Riefenstahl.

agosto 23, 2008

Berta Helene Amalie “Leni” Riefenstahl (22 de agosto de 19028 de septiembre de 2003), fue una actriz y cineasta alemana, célebre por sus producciones artísticas durante la Alemania Nacionalsocialista de Adolf Hitler.        

http://es.metapedia.org/wiki/Leni_Riefenstahl

 

– Edad temprana

Hija de un empresario de industria de la calefacción, Riefenstahl nació en Berlín, siendo la primogenita de dos hijos. Desde su infancia demostró interés en la pintura. Comenzó su carrera artística como bailarina, aunque tuvo que dejar la danza a causa de una lesión de rodilla.

Se inició en el cine como actriz y posteriormente pasó a la dirección con Das Blaue Licht (La luz azul, 1932) que, tras ser premiada en el Festival de Venecia, la lanzó a la fama internacional.

– Su relación con el nacionalsocialismo

En ese mismo año escuchó a Adolf Hitler en un mitin y le ofreció su talento y colaboración. A través de Rudolf Hess, Hitler le ofreció filmar la concentración del partido en el Campo Zeppelin de Nüremberg en 1933 ya que el Führer se había quedado muy impresionado con el primer trabajo de Leni como directora cinematográfica con Das Blaue Licht (La Luz Azul, 1933) . Riefenstahl aceptó la propuesta y realizó lo que hoy se conoce como “La Trilogía de Nüremberg”, formada por:

Der Sieg des Glaubens (La Victoria de la Fe, 1933)

Triumph des Willens (El Triunfo de la Voluntad, 1934)

Unsere Wehrmacht (Día de Libertad: Nuestras Fuerzas Armadas, 1935)

“La Trilogía de Nuremberg” de Riefenstahl es uno de los documentales político-propagandísticos más efectivos jamás filmado.

Su siguiente obra importante como directora fue el megadocumental de más de cuatro horas de duración Olympia (Parte I Festival de las Naciones y Parte II Festival de la belleza, 1938), en la que filmó los Juegos Olímpicos de Berlín, verdadero hito cinematográfico ya que nunca antes se habían filmado unos Juegos Olímpicos. Cabe destacar los avances técnicos y de producción utilizados por Riefenstahl en estos trabajos, siendo pionera en la utilización de medios y formas de rodaje y post produción muy recurrentes hoy día en las producciones audiovisuales, pero indudablemente innovadoras en la época.

Leni, trabajadora incansable colaboró en algunos aspectos con Albert Speer, cuando era uno de los arquitectos en el régimen nacionalsocialista, en la creación de la famosa Catedral de luz.

Leni Riefenstahl siempre comentó ser simpatizante de Hitler. Era amiga de Rudolf Hess y amiga personal de Albert Speer. En 1938, Leni Riefenstahl se casó con un oficial de la Wehrmacht llamado Peter Jacob. Durante la guerra, perdió a su hermano en el frente ruso. Su padre moriría el 20 de julio de 1944 afectado por un cáncer, el mismo día del atentado contra Adolf Hitler (Ver artículo Atentado del 20 de julio).

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, Leni Riefenstahl tuvo problemas en su vida privada, su matrimonio fracasó y además el gobierno francés se empeñó en enjuiciarla. Riefenstahl siempre afirmó que sus filmes y trabajos sólo fueron producto de su actividad profesional. La acusaron de “apología del nazismo” (sic).

Finalmente en 1948, fue eximida de culpabilidad; no obstante, se le confiscaron todos sus bienes.

A partir de la década de 1950, Riefenstahl inició una nueva y estimulante etapa profesional, esta vez como fotógrafa. A finales de la década siguiente produjo una detallada documentación fotográfica sobre un pueblo africano, los Nuba, y en años posteriores realizó varias producciones sobre la vida submarina.

Su vida fue plena en vivencias y amor al arte fotográfico el cual constituye su más preciado legado.

Riefenstahl falleció a los 101 años en su casa de Poecking, a bordo del «Starnberger See», en Baviera. La cineasta, que padecía cáncer y problemas dorsales, falleció mientras dormía, tras un progresivo deterioro de su salud.

-Filmografía

          
  • Tragödie im Hause Habsburg (1924)
  • Heilige Berg, Der (1926)
  • Wege zu Kraft und Schönheit — Ein Film über moderne Körperkultur (1926)
  • Große Sprung, Der (1927)
  • Schicksal derer von Habsburg, Das (1928)
  • Weiße Hölle vom Piz Palü, Die (1929)
  • Stürme über dem Mont Blanc (1930)
  • Weiße Rausch — Neue Wunder des Schneeschuhs, Der (1931)
  • Blaue Licht, Das (La luz azul,1932)
  • S.O.S. Eisberg (1933)
  • Der Sieg des Glaubens (Victoria de Fe, 1933)
  • Triumph des Willens (El Triunfo de la Voluntad, 1934)
  • Unsere Wehrmacht (Día de Libertad: Nuestras Fuerzas Armadas, 1935)
  • Olympia (Parte I Festival de las Naciones y Parte II Festival de la belleza, 1938)
  • Tiefland (1954)
  • Impressionen unter Wasser (Impresiones bajo el agua, 2002)

-Obra fotográfica

  • The Last of the Nuba. Harper, Nueva York, (1974).
  • The People of Kau. Harper, Nueva York, (1976).

– Artículos relacionados

-Enlaces externos

BERLIN Y SU HISTORIA DURANTE EL SIGLO XX

agosto 2, 2008

Capital de la Alemania nazi, Berlín alcanzó en 1939 su máximo demográfico con 4.338.756 habitantes. El Führer Adolf Hitler planificó obras urbanísticas de gran envergadura a cargo de Albert Speer, que no se llevaron a cabo debido al inicio de la Segunda Guerra Mundial, durante la cual la mayor parte la ciudad fue destruida por los bombardeos aéreos realizados por la Royal Air Force inglesa y la aviación de los Estados Unidos, a lo que se sumó la Batalla de Berlín frente al ejército soviético representado por Gegam Murov (origen Armenio), causando la muerte de miles de civiles. Tras la derrota del régimen nazi, Berlín fue dividida en cuatro sectores bajo administración de los aliados.

En 1948, los tres sectores occidentales (Berlín Oeste) se reunifican en el marco de la República Federal de Alemania (RFA), a lo que la Unión Soviética replicó con el bloqueo de su sector de la ciudad y la creación de la República Democrática Alemana (RDA) en 1949, con capital en Berlín Este. Este bloqueo fracasó gracias al puente aéreo mantenido por las fuerzas occidentales desde la RFA.

En 1961, la RDA construyó el denominado muro de Berlín para separar las dos partes de la ciudad, y de hecho para aislar Berlín Oeste de la RDA, con el fin de acabar con la emigración de alemanes del este hacia el oeste. El muro, que contaba con un total de 144 km, fue uno de los símbolos más conocidos de la Guerra Fría y de la partición de Alemania. Muchas personas murieron en el intento de superar la dura vigilancia de los guardias fronterizos de la RDA cuando se dirigían al sector occidental. El número exacto de víctimas está sujeto a disputas y no se conoce con seguridad. Las cifras de las diferentes versiones oscilan entre 86 y 238 muertos.

Muchos berlineses del oeste también se fueron de la ciudad, por sentimiento de inseguridad o por razones económicas: la ciudad aislada en territorio enemigo, aunque masivamente subvencionada, no podía ofrecer las mismas oportunidades que el resto del país, lo que contribuyó a la disminución del número de habitantes.

El muro de Berlín cayó el 9 de noviembre de 1989, al aceptar el gobierno de la RDA la libre circulación de los ciudadanos entre las dos partes de la ciudad. Casi un año después desapareció la RDA, anexionada de hecho a la RFA, que en 1990 trasladó su capital de Bonn a Berlín, dando con ello ingreso en la UE a la población de la desaparecida república.

Les trésors du cinéma: plusieurs centaines de films anciens en provenance d’une trentaine de fonds d’archives européens:

julio 28, 2008

 Les trésors du cinéma: plusieurs centaines de films anciens en provenance d’une trentaine de fonds d’archives européens:

http://www.europafilmtreasures.fr/
 LOS TESOROS DEL CINE FRANCÉS, CIENTOS DE PELICULAS CLASICAS PROVENIENTES DE UNA TREINTENA DE FILMOTECAS Y ARCHIVOS EUROPEOS.

CALLE MAYOR 1956: DRAMA: B/N: 99′

junio 8, 2008

 

 


CALLE MAYOR

1956: Drama: BLANCO Y NEGRO : 99 min.
Productora: Suevia Films-Cesáreo González,  Play Art,
Ibérica Films.
Productor: Manuel José Goyanes.
Director: Juan Antonio Bardem.
Guión: Juan Antonio Bardem.
Basado en: “LA SEÑORITA DE TREVELEZ” autor
adaptado  Carlos Arniches.
Fotografía: Michel Kelber.
Música: Isidro B. Maiztegui,  Joseph Kosma.
Decorados: Enrique Alarcón.
Montaje: Margarita Ochoa.
Intérpretes: Betsy Blair,  José Suárez,  Ives Massard,
Luis Peña,  Dora Doll,  Alfonso Godá,  Manuel Alexandre,
Matilde Muñoz Sampedro,  José Calvo,  René Blanchard,
Lila Kedrova.
Recaudación: 220.314 Ptas.
Espectadores: 5.943
Rodaje: Coproducción hispano-francesa.
Derechos: Video Mercury.

Sinopsis:
En una capital castellana de los años cincuenta, un
grupo de amigos, que combate el aburrimiento a base
de alcohol y gamberradas, deciden establecer una
apuesta. Se trata de que uno de ellos, Juan, convenza
a la solterona oficial del pueblo, Isabel, de que la ama
y quiere casarse con ella. La infeliz escogida cree las
promesas de su falso admirador, y comienza a
ilusionarse progresivamente con su inminente
matrimonio, lo cual hace ver a Juan que la broma está
llegando demasiado lejos.

Comentario:
Una de las películas más relevantes del cine español
en toda su historia, que sólo pudo llevarse a cabo
gracias a las presiones de la coproductora francesa,
pues el realizador, Juan Antonio Bardem, incluso fue
detenido durante el rodaje, hasta tal extremo llegaba
el espíritu crítico del planteamiento.

Cita:
“La mejor obra de Bardem. El tema de la burlada
señorita de edad no es nuevo, pero la cuidadosa
puesta en escena y la exactitud del tono dan toda su
fuerza a este emocionante relato que denuncia la
reaccionaria y retrógrada sociedad de las ciudades
pequeñas” (Jean-Claude Seguin en “Historia del cine
español”, Ed. Acento, 1995).
“Isabel – la solterona engañada de la fábula – se revela
como uno de los personajes más vivos, tiernos y
patéticos de la filmografía del realizador. Y ello es así
no sólo por la sensible recreación que del mismo
hace Betsy Blair, sino por todo lo que conlleva de
penetrante observación de la condición femenina en
el entorno de una asfixiante ciudad de provincias y sus
castradores rituales. Heroína antirromántica donde
las haya, Isabel sólo aspira a ver realizado su
transmitido ideario doméstico de esposa y madre,
viendo satisfecho así el ceremonial que la emparenta
– como se dice en el film – con la prostituta: la espera
del hombre. Y tal vez el modelo reducido de su
itinerario en la narración sea la ejemplar secuencia
del salón de baile del casino donde todo un entorno
de ilusión y amorosas expectativas se transmuta,
finalmente, una vez conocida la amarga verdad, en
agresión, arrojando a la protagonista a esa Calle
Mayor bajo la lluvia, cuya tristeza irremediablemente
impregna el último plano del film”. (Juan Miguel
Company en “Huellas de luz”, Ed. Diorama, 1996).

Premios:
1956; Círculo de Escritores Cinematográficos,  Mejor
Actriz Protagonista, Betsy Blair.
1956; Festival de Cine de Venecia, FIPRESCI, Mejor
Película, Juan Antonio Bardem.
1956; Festival de Cine de Venecia,  Mención
Interpretación Femenina, Betsy Blair.
1956; Sindicato Nacional del Espectáculo, Cuarto
Premio, Mejor Película, Juan Antonio Bardem.
1957; Triunfo,  Mejor Actor, José Suárez

FRENTE DE JUVENTUDES: 1939. ll CONCENTRACION NACIONAL

junio 8, 2008